viernes, 21 de diciembre de 2007

LEONES, TIGRES Y OSOS

Guión de Mike Bullock
Dibujo de Jack Lawrence
Tomo de 96 páginas a color en formato rústica
ISBN: 84-9814-691-7
Norma Editorial


Lo malo de ser pequeño, además de no llegar hasta donde tienen guardada la caja con las galletas de chocolate, es que los mayores siempre deciden por ti. Y, normalmente, no lo hacen del todo mal. Claro que, por mucho que ellos se empeñen, hay cosas que no son fáciles de asimilar por un niño que ve cómo toda su vida acaba patas arriba cuando su madre decide cambiar de trabajo y, con ello, de casa.

En medio de todo, Joseph, el protagonista de esta historia, trata de encontrarle algún sentido a todo aquello, aunque difícilmente lo logra. Sus únicos pensamientos están volcados en recordar lo que estarán haciendo sus amigos al final de la calle y poco más.

Por fortuna, Joseph cuenta con una aliada que conoce muy bien la situación que está viviendo el niño. Se trata de su abuela, la cual, antes de que abandone su hogar, está a punto de entregarle un regalo muy especial. Es un regalo similar al que le hizo su abuelo cuando ella era una niña de la misma edad que Joseph.
En aquella ocasión, se trató de un gran oso de peluche, el rey de los osos, mientras que esta vez a Joseph le ha tocado contar con la compañía de el Orgullo de la noche, protectores de los inocentes.

Son cuatro felinos de peluche -una pantera, una tigresa, un león y un tigre blanco (Minerva, Venus, Pallo y Ares)-, cuya misión es defender a los más pequeños del ataque de las sombras que acechan en la oscuridad.
Según pone en la caja en la que vienen guardados, para que logren su cometido, cada uno de ellos debe ser colocado en una de las esquinas de la cama y el niño no tendrá nada que temer.

Esa noche, y a pesar de los ruidos que se escuchan en la habitación, Joseph logra dormir de un tirón.
A la mañana siguiente, el infante le cuenta a su abuela lo contento que está con su regalo y ésta le cuenta que ella también contó con la protección de un amigo de peluche para salvaguardar sus sueños.
Lo que no estaba en los planes de Joseph es que, esa misma noche, sus amigos de juguete se transformarían en animales de carne y hueso y que, junto a ellos, acabaría en el territorio del rey Oso. Son muchas emociones para el niño, el cual no tiene tiempo para asimilarlas todas, en su viaje hasta el castillo de Cristal, morada del señor de aquel lugar.

Una vez allí, Joseph conocerá, de primera mano la razón de ser que mueve a todos los animales que llenan aquel reino y deberá enfrentarse a su futuro más cercano, futuro en el que también estará involucrada la pequeña Courtney, nieta del creador de los muñecos.
En una época donde el noveno arte se está empapando del cinismo que predomina en nuestra sociedad, Leones, tigres y osos es un soplo, casi un vendaval, de aire fresco para quienes gustan de disfrutar de buenas historias, cargadas de elementos mágicos e imaginativos.

Sus autores, Mike Bullock y Jack Lawrence, nos llevan hasta un mundo donde las cosas tienen sus colores y sus texturas mucho mejor definidas, y donde la gama de grises no nos impide ver el color de los oponentes. Los animales que cobran vida, una vez que acaban en manos de sus dueños, son los encargados de defender a los más pequeños de las criaturas que moran en la oscuridad y amenazan con llevárselos. Es un enfrentamiento ancestral entre la luz y la oscuridad y, como en toda guerra, hay bajas por ambos lados.

En Leones, tigres y osos  todo parece estar bien calculado. Lawrence tiene un grafismo simple, bien definido, llamativo y asequible para cualquiera. Mientras, su compañero Bullock, llena las páginas con diálogos sencillos, atractivos, divertidos y cargados de la magia necesaria para no dejar escapar al lector.
No es de extrañar que en el pasado salón de Angoulème, la obra fuera galardonada con el premio al mejor álbum infantil, en reconocimiento a lo acertado de su tratamiento.

También se entiende la admiración de muchos compañeros de profesión –como la guionista Gail Simone, el creador de la serie HeroBear and the kid, o el desaparecido dibujante Mike Wieringo- ante la creación de Bullock y Lawrence.

Leones, tigres y osos merece que el lector se detenga ante ella en medio del aluvión de lecturas “recomendadas” que llenan las librerías especializadas y disfrute con su lectura. Además, en unas fiestas donde la magia y la ilusión han dado paso al consumismo más voraz y desenfrenado, Leones, tigres y osos en una puerta abierta para todos aquellos que quieran recuperar la ilusión y la imaginación, la cual siempre nos ayuda a vivir mejor.

lunes, 17 de diciembre de 2007

600


Según cuenta la historia, mezclada con una cierta leyenda, el rey Leónidas y sus trescientos guerreros espartanos se situaron en el paso de las Termópilas para impedir que el rey persa Jerjes y sus tropas lograran conquistar toda Grecia. Fue una gesta épica para tan sólo trescientos hombres armados con sus escudos, yelmos y largas lanzas.

Aunque la historia tampoco es que se ponga muy de acuerdo en el número. ¿Fueron trescientos los guerreros? ¿Algunos más? ¿O en realidad fueron seiscientos?
Como en otras ocasiones en las que nos invade la duda, Enrique. V. Vegas tiene la respuesta al enigma planteado.

Para el dibujante, guionista y responsable de alguno de los delirios gráficos más recordados en los últimos años, el rey Leónidas de Esparta, llamado a ser rey desde el día en el que nació, cargó con seiscientos guerreros, en su empeño por detener a… Jorge Javier…este, no ése no es… En su empeño por detener a Jerjes.

El caso que los comienzos del mítico soberano fueron algo más duros de lo que se podía pensar, en especial por el aspecto de querubín que Leónidas tenía de pequeño. Aún así, tras aquel aspecto “inocente”, se escondía un indómito combatiente, con muy mal carácter.

Con el tiempo, su fama –y su carácter- llegaron hasta los más recónditos lugares de Grecia, además de su gusto por una buena pelea.

De ahí que cuando el mentado Jerjes asomara la jeta por sus tierras, Leónidas y sus aguerridos combatientes encontraran la oportunidad perfecta para lanzarse de cabeza al combate, y de paso hacer un poco de turismo por su tierra.

Cierto es que algunos quisieron subirse al carro –para salir en la foto, claro está-, pero no contaban con la determinación del buen rey, poco amante del protocolo.


Una vez metidos en el fregado, las tropas persas, incluidos los temibles “diez mil” con disfraces súper chulos, se dieron de bruces con los hombres de Leónidas y su determinación por preservar el secreto del yogurt con bífidus.

Fue una guerra sin cuartel donde ni los gigantes ni los elefantes estuvieron ajenos al sarao que se vivió en el estrecho –e incómodo- paso de las Termópilas.

Lo malo es que el destino estaba sellado y, a pesar del tesón de Leónidas y los suyos, los persas eran más.
Los libros de historia dicen que no quedó ninguno, aunque, de todas formas, no siempre los historiadores aciertan…

Y llegados a este punto, qué se puede decir de Enrique V. Vegas que no se haya dicho, escrito, narrado o cantado ya como los juglares de la Edad Media. Puede que lo único que nos quede por preguntar es ¿hasta dónde le dará el ingenio, en su ya larga saga de los Cabezones en cualquier escenario-situación que se nos pueda ocurrir? Da la sensación de que su repertorio de ocurrencias no tiene fin, como el bolso de Mary Poppins, vamos.

Lo dicho, si quieren pasar un rato divertido y conocer aquello que los historiadores han pasado por alto, 600 es la lectura más recomendable, faltaría más.


Guión y dibujos de Enrique V. Vegas
Color de portada de Juan M. Vicente.
Cómic de 32 páginas en blanco y negro
Precio: 2.50€
Un presentación de la línea Siurell para Dolmen Editorial


© Enrique V. Vegas 2013

martes, 11 de diciembre de 2007

LA ODISEA. EDICION DEL 25 ANIVERSARIO

Guión de Francisco Pérez Navarro
Dibujo de Josep M. Martín Saurí
Tomo de 72 páginas en blanco y negro y formato Cartoné
Precio: 16€
ISBN: 978-84-9847-240-0
Norma Editorial


Describir una obra gráfica como La Odisea –también conocida como Odiseo, título de su primera publicación en castellano- no es nada fácil.  Para quienes amamos la literatura, La Ilíada y la Odisea suponen las piedras angulares sobre las que se sostiene dicha disciplina artística. Su carácter épico, el halo de intemporalidad y leyenda que las envuelve –de la misma forma que rodea a la figura de su creador, el poeta Homero- son elementos que perviven desde su misma escritura.

De ahí que con tan sólo en pensar en una adaptación gráfica de dichas obras se nos antoje una empresa tan épica como la misma materia prima de la que están forjados ambos poemas.
No obstante, La Odisea –la gráfica-, escrita por Francisco Pérez Navarro e ilustrada por Josep M. Martín Saurí, demuestra que cuando se ponen las herramientas y los esfuerzos necesarios, todo es posible.

Aún así no hay que olvidar que esta obra fue publicada, primeramente, en el mercado americano, dentro de la revista Heavy Metal, allá por el año 1.983 –siendo reeditada, posteriormente, en el 2.005, dentro de la colección Heavy Metal Classics.
La entonces editora de la revista, Julie Simmons-Lynch definió el trabajo de ambos autores de la siguiente manera:
Mi primera reacción fue pensar ¡Ojalá hubiera tenido esta versión del clásico de Homero cuando estaba en el instituto! Lo que estos dos hombres habían plasmado en esta historia intemporal de la mitología no era sólo la autenticidad y belleza de la época, sino también todos los excesos y la corrupción.
El calibre de la obra de los dos autores, trabajando como uno solo, no perdía de vista ni por un momento las sensaciones que trasmite el original, pero a la vez ofrece matices deliciosamente interpretados.
Aunque lo más probable es que Homero no pudiera ganarse la vida en el Hollywood actual, este libro es tan atractivo como cualquiera de las buenas películas de acción del mercado.


Queda claro que una obra como ésta no es fruto de la improvisación, todo lo contrario. La Odisea de Pérez Navarro y Martín Saurí fue un trabajo que comenzó en el año 1.979 y se prolongó durante los años siguientes, hasta que la obra pudo ver la luz en la mencionada revista Heavy Metal.
Luego, la obra fue publicada de manera seriada en la recordada revista de Josep Toutain, Comix Internacional, a la vez que se publicaba en países como Alemania, Italia o la Yugoslavia de entonces. Al finalizar su publicación en Comix International, la editorial Planeta-DeAgostini publicó la obra íntegra, en un tomo en formato Cartoné, con el título Odiseo.

Varias décadas después y tras su vuelta al mercado anglosajón hace dos años es Norma Editorial quien recoge el testigo y nos ofrece una nueva y cuidada edición, con motivo del 25 aniversario de su publicación, y en un año marcado por el estreno de la versión cinematográfica de 300, de Frank Miller.

Lo primero que hay que tener en cuenta, al abordar una obra de estas características, es que los autores debieron seleccionar aquellos momentos más trascendentales para los protagonistas de la historia o, según sus criterios, aquellos que mejor los definen y, por tanto, ayudan a introducir al lector en la obra. Pérez Navarro realizó una verdadera labor arqueológica, seleccionando aquellos elementos que mejor pudiera adaptar en imágenes su compañero de aventuras, Martín Saurí.

Éste, con un estilo que recoge tanto influencias del arte clásico –en especial las imágenes que adornaban las ánforas y las vasijas de la época- como la de autores como Estaban Maroto, Barry Windsor-Smith, o el mismísimo Frank Frazetta, realiza un trabajo primoroso, preciosista en algunos momentos, aunque sin buscar el realismo en el resultado final.

Antonio Lara, responsable de la introducción de la obra en su edición para la editorial Planeta-DeAgostini, comentaba acerca del trabajo del artista gráfico:
Martín Saurí ha insistido en un oficio delicado y primoroso, que exige muchas horas y una enorme dedicación técnica, sin desfallecimientos ni prisas. Determinadas viñetas están compuestas con tal preciosismo, procurando que las líneas y manchas revelen el esfuerzo indiscutible puesto en la ejecución, que el resultado final quizás resulte excesivo.

A todo ello hay que sumar el abundante texto que acompaña al apartado gráfico, terreno en el que Pérez Navarro da rienda suelta a su erudición y a su gusto por el género literario. Por momentos, La Odisea de Pérez Navarro y Martín Saurí se nos presenta como una obra que requiere de toda la atención –y concentración- del lector, dada la palpable, pero encomiable complejidad de la rodea.
El que sea un trabajo en blanco y negro es un elemento más que avisa al lector –en una época donde el cromatismo le ha ganado la partida el género de las “luces y sombras”- de que se encuentra ante una obra adulta, mesurada y que gusta por atrapar la esencia de una de las grandes obras de la cultura de la civilización occidental.

No quiero decir que no sea una obra apta para cualquiera buen aficionado al noveno arte. Lo que ocurre es que, en los últimos tiempos, son pocas las obras de estas características que llegan hasta las librerías y las nuevas generaciones están poco acostumbradas a ellas.
De cualquier modo, Norma Editorial nos ofrece una oportunidad única para enfrentarnos con una obra atemporal, “rara avis” en el mercado español de su época, y que ahora regresa para quienes no disfrutaron con ella, entonces, puedan hacerlo ahora.



Termino con las palabras de Julie Simmons, las cuales son el mejor punto y final para esta reseña
De manera que sentaos cómodamente y disfrutad con la belleza de las imágenes y textos de esta leyenda épica. ¿Quién dijo que los clásicos no podían seducir? Yo no.

jueves, 6 de diciembre de 2007

ANNE MUHONEN O COMO SER DIBUJANTE DE COMIC EN FINLANDIA

Vivimos en un mundo global, donde las diferencias que antes parecían insalvables ahora se difuminan ante realidades como Internet. De ahí que no sea nada difícil descubrir que una chica nacida en Finlandia puede tener muchas cosas en común con otra, de similar edad, pero nacida en otra parte del mundo, España por poner un ejemplo.
Si encima, la mencionada chica finlandesa es capaz de contar sus vivencias personales en un medio tan asequible –y cada día más de moda- como lo es el lenguaje gráfico, entenderán el comentario sobre la desaparición de las barreras de antaño.

Éste es el caso de Anne Muhonen, una autora gráfica completa, la cual tiene ya cuatro  números de su historia ADA publicados en el mercado finlandés –el primero de los cuales está agotado-, además de Sydänääniä (Heartbeat), un número especial en el que narra sus experiencias durante su embarazo.
Anne, nacida en 1.979, es licenciada en Artes Visuales y profesora de lenguaje gráfico. Su periplo profesional comenzó en 1.997 con pequeños trabajos dentro del mundo del cómic y la ilustración, alternado proyectos de diseño gráfico con pequeñas historias.
Tras la experiencia adquirida, y decidida a contar una historia de creación propia, en verano del 2.003 nació ADA.

El primer álbum de Ada se publicó durante el verano del año 2.003. Los tres siguiente salieron en el verano del año siguiente, 2.004, en otoño del 2.005 y el último se ha publicado en el otoño de este año 2.007.
Cuando comencé a dibujar el primero de los álbumes de Ada no tenía en la cabeza que fuera una mini serie. Pero cuando terminé el primero, Ada adquirió vida propia y sus aventuras comenzaron a desarrollarse en mi cabeza.
De ahí que no tuviera otra opción que dibujar el segundo. Mientras trabajaba en el segundo álbum fue cuando pensé que Ada podría ser una mini serie.


El estilo de Anne, con claras influencias de personajes como Emily The Strange -sobre todo por el uso de los colores blanco, negro y rojo-, respeta las normas en cuanto a maquetación y composición de página clásica, intercalando entre ellas, las pequeñas historias que les suceden a sus protagonistas. La autora se toma su tiempo para detenerse en esos momentos que nos hacen la vida mucho más llevadera, congelándolos para que los lectores disfrutemos con ellos.

Siempre me ha gustado escribir y dibujar, pero solía hacerlo de forma separada. Desde que empecé a trabajar dentro del mundo del cómic me enamoré del formato, dado que dentro de él podía combinar mis dos pasiones de manera natural.

ADA es una propuesta cercana a la narración autobiográfica –no en vano su protagonista se parece mucho a la autora- aunque, como ya dijimos antes, se puede extrapolar a cualquier joven que trata de encontrar su lugar en el mundo.  En cada una de sus cuatro partes, somos testigos de una adolescente que ve cómo su vida está cambiando y trata de adaptarse, como buenamente puede, a dichos cambios. Puede que la diferencia con otros países es que, en Finlandia, los jóvenes tienen muchas más oportunidades para dejar la casa de sus padres y emprender su vida en otro lugar.

Además, ADA es el reflejo de una sociedad, la finlandesa, donde ser mujer no es un problema –algo que todavía sí ocurre en la sociedad española, por mucho que las cosas estén cambiando-. Por eso, la protagonista nunca pierde de vista quién es y lo que quiere hacer, lejos de los convencionalismos sociales que tanto pesan sobre buena parte de las mujeres de muchos países desarrollados.

ADA es un proyecto personal pensado para que lo lean las mujeres, pero también lo pueden leer los varones, que demuestra que lo importante son las historias y no el sexo de quien las cuenta.

                              

Esto último muy bien se pudiera aplicar a su siguiente proyecto, Sydänääniä (Heartbeat), un cómic totalmente autobiográfico, dibujado por la autora mientras ésta estaba esperando su primer hijo.
Lo primero que se puede decir de una historia como Sydänääniä es que todos los adolescentes y padres primerizos del mundo mundial deberían leerla. Dibujada como una sucesión de ilustraciones, en formato apaisado, Sydänääniä recoge todos los elementos conocidos –y no tanto- del embarazo, tanto para la futura madre como para quienes la rodean.

Dotado de una sencillez y una sinceridad encomiable, Anne nos cuenta las sensaciones vividas mientras una vida crecía en su interior. Hay tiempo para las dudas, los descubrimientos, los antojos, los pequeños desacuerdos –a causa de unas hormonas totalmente alborotadas- y la tensa espera justo cuando se sale de cuentas. Aunque lo mejor es ver cómo Anne no perdió el sentido del humor durante todo aquel tiempo.
Siempre hay tiempo para buscarle el lado divertido a las cosas –por ejemplo el ruido de los cereales en la taza de leche, mezclado con la pataditas del bebé dentro de Anne-.

Se me ocurrió la idea de contar mi embarazo de manera gráfica, porque al ser el primero todo era nuevo para mí y pensaba que aquello me ayudaría a asimilarlo todo mejor. Me fue más fácil vivir mi embarazo cuando lo trasladé dentro de un cómic. Y ahora, cuando ya ha pasado todo, es muy divertido leerlo, porque todos esos recuerdos acuden de nuevo a mi memoria.

Son pequeñas capsulas de tiempo, magníficamente relatadas, con un estilo cercano al de ADA, pero dotadas de un cromatismo donde los colores cálidos, tierras y ocres, principalmente, le ganan la partida a los rojos y negros de la historia de ADA.
Al final, y tras catorce horas de parto, el niño más maravilloso del mundo había llegado –con un peso de 3.970gr y 53cm de estatura-.                                              

Al igual que ADA, Sydänääniä es un proyecto personal que ha podido ver la luz gracias a los avances de la técnica, y a que Anne Muhonen vive en un país donde la auto-publicación es algo al alcance de casi todos los bolsillos.

Creo que ahora es mucho más fácil auto-publicarse uno mismo, gracias a las imprentas digitales y, hoy por hoy, el resultado puede ser el mismo que cuando lo llevas a una imprenta convencional.
Hace falta dinero para lograr que tu historia acabe impresa y después está la promoción y el lograr que las tiendas te lo vendan. De todas maneras, si te gustan los cómics, no te importa hacer todo el trabajo con tal de lograr que se lean tus historias.


Sus proyectos son continuar con su personaje de ADA -ya está trabajando en la quinta entrega de la serie- mientras cuida de su hijo y, además, le enseña a los más pequeños el lenguaje del noveno arte para que puedan contar él sus propias historias.

Si quieren conocer más acerca del trabajo de esta autora, algo muy recomendable,  no se preocupen por el idioma. Todos los números antes comentados vienen con traducción al inglés de los textos en finlandés, a modo de subtítulos.
Para más información,  su web es la siguiente: http://www.adasarjakuva.com/site/flash/index.html

domingo, 2 de diciembre de 2007

PORTADAS GRAFICAS PARA EL TV GUIDE

A la reputada revista TV Guide, considerada como la “Biblia” de la pequeña pantalla en los Estados Unidos, no se le ha ocurrido otra cosa que llamar a cuatro reputados artistas gráficos para comercializar una serie de cuatro portadas basadas en la serie Heroes.

Los artistas gráficos son los siguientes: Jim Lee, Phil Jimenez, Michael Turner y Tim Sale. El primero de los cuatro, la súper estrella Jim Lee, también es responsable de una de las dos portadas alternativas del tomo recopilatorio de Heroes, publicado éste por la editorial DC Comic –la otra es obra de Alex Ross.-Tim Sale, por su parte, está implicado en la serie desde el comienzo, al ser el responsable de los dibujos que, en la ficción, dibuja el artista Isaac Mendez.

Las cuatro portadas, las cuales reproducen a los principales personajes de la serie –Hiro Nakamura, Niki Sander o Claire Bennet, entre otros-
                     
suponen un nuevo aliciente para todos aquellos voraces lectores que cada semana acuden a las tiendas y librerías en busca de toda la información relacionada, no sólo con la pequeña pantalla, sino con el mundo de la comunicación en general.

Las cuatro portadas salieron al mercado la semana del 12 al 18 de noviembre del presente año 2.007 en una tirada limitada y que sólo se podrá encontrar durante un determinado periodo de tiempo, algo muy habitual en este tipo de propuestas.

Para todos aquellos interesados en conseguirlas, la propia empresa editora de la revista TV Guide ha preparado una página donde se puede acceder a ellas y comprarlas directamente, sin tener que ir a una tienda. http://www.tvguide.com/tvshows/heroes/281246

El resto, en los nuevos capítulos de la segunda temporada de Heroes
Nota: el copyright de la imágenes (C) en propiedad de la revista TV GUIDE y de los respectivos autores.
                                                    

viernes, 23 de noviembre de 2007

DOS ESPADAS: L´ECOLE DE LA LICORNE

Guión de Kenny Ruiz
Dibujo de Ruiz y Mazi
Color de Alfonso Salazar (Levalo Studio)
Album en tapa dura de 48 páginas a color
Editorial: Soleil (Francia)


En una época dominada por los duelos de espadas, los guardias de la corte y los adelantos de la ciencia vive un grupo de pillastres en busca de una ganancia diaria, ya sea por medios lícitos o ilícitos. Estos últimos pueden ser un tanto peligrosos, -y si no, que se lo digan al listo de Punaise- pero para eso está Cira, para solucionar estos pequeños encuentros con la destreza de sus armas. Precisamente por eso, y por la técnica que usa –pues porta y lucha con dos armas- ésta se hace llamar Deux Epées.

Las continuas escaramuzas de Cira suponen un deleite para las aburridas gentes del lugar, demasiado acostumbradas a la monotonía diaria, monotonía que sabiamente sabe romper el maestro de las marionetas, quien, sin Cira saberlo, pondrá su vida en una encrucijada.

No obstante, antes que nada, y como suele ocurrir cada vez que Cira ofrece una lección de lucha a los patéticos guardias, la campeona tendrá que rendir cuentas ante la Mamma, la gran jefa –no sólo es su título- quien con cariño de esos que mejor que se los guardase y dosis de realismo logra poner las ambiciones de Cira en un segundo plano, aunque sea por momentos.

Y es que Cira sueña con llegar a ser una Première Epée -una suerte de espadachín de gran prestigio con un dominio de la técnica, dignos del mejor Errol Flynn- desde que su padre la abandonó con corta edad y con sus armas por única herencia, detalle que pone de los nervios a la Mamma, quien considera que a su pupila le iría mejor si la hubieran abandonado con un vestido.

Lo paradójico del caso es que, aunque Cira lucha de una forma brillante, no consigue entrar en el prestigioso L’Ecole de la Licorne, lugar de formación de los futuros Première Epées, simplemente porque no consigue demostrar pertenecer a una familia con blasón.
Sin embargo, pensar que este “pequeño” detalle va a amilanar a Cira es un grave error, tal y como comprobarán los guardianes del patio del prestigioso instituto, en el que se celebran unas demostraciones de alumnos.

Cira decide dejarse caer por el mencionado lugar y allí encuentra el apoyo del maestro de las marionetas quien, sorprendentemente, se encuentra sentado en el banco del jurado de los alumnos…

Deux Epées supone el primer trabajo de Kenny Ruiz, uno de los artistas españoles con mayor proyección, directamente para el mercado francés. Para la ocasión, Ruiz ha unido fuerzas con el también dibujante Mazi, y el colorista Alfonso Salazar, para trasladarnos hasta una apasionante narración llena de aventuras, duelos de espadas, y personajes que son más de lo que parecen a simple vista. Además, tampoco se olvidan de ofrecernos el clásico enfrentamiento milenario entre el bien y el mal, con lo que la emoción está servida.
    
En el apartado gráfico, el tándem Ruiz-Mazi realiza un trabajo meticuloso, lleno de detalles, y en donde las escenas de acción ocupan un lugar predominante dentro de la narración. Queda claro la querencia de ambos autores por el estilo japonés, pero, igualmente, la composición de página y la propia estructura narrativa son netamente europeas. A todo ello contribuye el cromatismo logrado por Salazar, perfecto contrapunto para los dibujos que ocupan cada uno de las páginas.

En resumen, esta primera entrega cumple a las mil maravillas la función de presentarnos a los personajes y dejarnos con la miel en los labios para las siguientes aventuras. Por ahora sólo está disponible en el mercado francés y esperamos que en un futuro próximo se encuentre en versión española.

Agradezco a Elena Santana su ayuda para poder redactar esta reseña.

                                                          

domingo, 28 de octubre de 2007

EL RETORNO DEL HOMBRE LOBO: WALDEMAR DANINSKY

Guión: Paul Nashy
Dibujo: Javier Trujillo
Álbum en tapa dura de 80 páginas.
Prólogo de Luis Alberto de Cuenca

Precio: 18€
Una pulicación de la ediorial Aleta para el sello Hegats


Dicen, y dicen bien, que nadie es profeta en su tierra y la idiosincrasia de los habitantes de nuestro país le da una carta de naturaleza a dicho refrán.
Por ello, el caso de Paul Naschy no es una excepción en una tierra dada al elogio fácil, para quien viene de fuera, pero que gusta de ignorar aquello que se tiene dentro de casa.

Aún así, y por mucho que algunos se empeñen, nadie debería ignorar –cuando hablamos del género fantástico- la tremenda deuda que los aficionados a dicho género tenemos para con la figura de un actor, director, escritor y documentalista como Naschy.

Como muy bien señala él mismo en una de las entrevistas de la primera adaptación gráfica de una de sus películas ser un franco tirador del Fantaterror español ha sido durísimo. Me he dejado en el camino jirones de sangre y alma, pero la luna llena sigue brillando en el firmamento.

Así, con un verbo recargado y barroco, pero no exento de belleza y lirismo, se expresa un creador capaz de resucitar el mito del hombre lobo, identificado durante décadas con el rostro del actor Lon Chaney Jr., y con un claro referente cinematográfico como era la productora Hammer Films.

En 1.968, Naschy escribe y protagoniza La marca de lobo, película dirigida por Enrique López Eguiluz, primera de las trece películas protagonizadas por el atormentado noble polaco Waldemar Daninsky y que supone un revulsivo para un género tachado de “menor” o “marginal”.

Después llegarían otros títulos como La noche de Walpurgis (León Kimosvky, 1.970), El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1.972), El retorno del hombre lobo (1.980), y La bestia y la espada mágica (1.983) estas últimas dirigidas, ambas, por el propio Naschy.

Todas ellas forman parte de la filmografía esencial de un género que -como demostró la pasada edición del Festival de Cine de Sitges- cada día está más de moda dentro de los cineastas de nuestro país, aunque en su momento las películas de Naschy fueran “raras avis” en medio de unas carteleras volcadas en otras temáticas.  

Sea como fuere -y teniendo muy en cuenta que el tiempo acaba por colocar a cada cual en su sitio-, Naschy ha logrado que, de una vez, el país que lo viera nacer le rinda el homenaje que se merece y fruto de ello es la historia grafica El retorno del hombre lobo: Waldemar Daninsky, publicada por la editorial Aleta, dentro de su sello Hegats, y contando con el guión de propio Naschy y los dibujos del artista Javier Trujillo.

Lo primero que hay que destacar es la apropiada elección de una de las películas protagonizadas por Naschy como el licántropo eslavo, en este caso la novena de la saga, al contar entre sus protagonistas con la siempre inquietante condesa Erzébeth Bathory, conocida por sus excesos sangrientos en pos de la eterna juventud.

Además, el desarrollo de la película, la cual combina el sangriento reguero dejado por quienes desean devolver al mundo de los vivos a la perversa noble, con la búsqueda de redención del atormentado Waldemar, es un territorio muy fértil para que un dibujante de estilo realista y marcado gusto por los colores cálidos y llamativos de rienda suelta a su trabajo.

De ahí que junto con la épica La bestia y la espada mágica –desarrollada en España y en el lejano Japón- El regreso del hombre lobo fuera una lógica elección para trasladar al papel las aventuras del hombre lobo interpretado por Naschy.

Otro elemento que queda palpable, desde las primeras hojas de la historia, es el marcado erotismo de las protagonistas femeninas, tanto la condesa como las estudiantes que cruzarán la línea de lo arcano y lo prohibido para resucitar a su nueva dueña. Esto da pie a que Trujillo nos deleite con imágenes cargadas de sensualidad y de cuerpos femeninos, algunos de los cuales se ven salpicados por la sangre que demanda el vil espíritu de la condesa Bathory.

Trujillo, quien declaraba -durante la presentación del cómic en el espacio de la sala Brigadoon durante el Festival de Sitges- haber visto la película cerca de medio centenar de veces, también gusta de retratar al aristócrata polaco de diversas formas, así como a otros de los rostros más entrañables del fantástico español, Narciso Ibánez Menta, actor, director y guionista del género y padre de otro de los pilares del género fantástico español, Narciso Ibánez Serrador, responsable de la celebérrimas Historias para no dormir.

Menta aparece magníficamente retratado en las primeras páginas del cómic, en su papel del profesor Oswald, el estudioso que tutelará a Erika, Karín y Bárbara, las tres estudiantes que acudirán a un recóndito lugar de los montes Cárpatos para encontrar el legado de la sangrienta Erzéberth y su despiadada corte, entre cuyos integrantes se encuentra Waldemar Daninsky.

Trujillo aprovecha el ambiente gótico que se desarrollará, una vez que las tres estudiantes encuentren la tumba de Bathory, de su fiel Mosses Otto y de Daninsky, para entregarse al empeño de tratar de dotar de textura a las páginas que se desarrollan en el castillo ocupado ahora por Danisnky y su fiel Mircaya, y en todos los elementos que nos trasladan hasta un pasado marcado por los abusos, las muertes y la destrucción.

Junto a esto, Trujillo hace suyo el postulado de Naschy sobre su personaje Waldemar Danisnky es un personaje que, lejos de la bestia que lleva dentro, está gobernado por un inmenso romanticismo, el cual acaba dictando sus acciones. Por ello, junto a las arcanas ceremonias de Erika, Trujillo plasma la historia de amor entre el noble y la dulce Karin, aquella que ame lo suficiente al hombre como para traspasar su corazón con la sagrada plata en una noche de plenilunio y, además, sea capaz de sacrificar su vida, si fuera necesario.

En las páginas en las que somos testigos, al igual que una paralizada Karin, de la transformación del hombre en lobo, Trujillo destila ese romanticismo que siempre ha estado presente en las películas de Naschy y que más de uno no ha sido capaz de ver. Y junto a los pictóricos, a ratos impactantes y a ratos hermosos, dibujos de Trujillo, están los textos, los diálogos y la voz del narrador, escritos por Naschy.

Ya lo dije antes. Puede que la manera de expresarse de Naschy, tan correcta que nos chirría en una época donde las personas han olvidado la riqueza de su idioma para transformarlo en una especie de jerga similar a la que se utiliza en la película Blade Runner, nos resulte excesivamente recargada y barroca.

No obstante, no se me ocurre mejor manera de acompañar los dibujos de Trujillo que las palabras dotadas del misterio y del carácter gótico que tanto gustan a Naschy. Puede que a algunos les cueste seguirlos, dada su riqueza estilística y el volumen que acompañan a las 68 páginas de la obra. Aún así, el trabajo de Naschy demuestra lo bien puesto que está el adjetivo “novela gráfica" en una obra como esta.
                                                        
Por último, destacar, no sólo la apuesta de una editorial como Aleta, al presentar un producto como éste, sino la cuidada presentación y la calidad de impresión. Además, El retorno del hombre lobo incluye, no sólo un prólogo de una persona más que conocedora del género –y del noveno arte- como lo es Luis Alberto de Cuenca, sino entrevistas con los dos autores, así como un análisis de la figura de Naschy por Santiago de Bernardo.

En resumen, esta nueva propuesta de la editorial Aleta, presentada bajo su sello Hegats –Gran Aleta- supone un placer para los aficionados al género, al trabajo de Paul Naschy y un muy merecido homenaje a su figura, como pieza imprescindible del Fantaterror español.

Para quienes quieran conocer la película original, les recomiendo, al igual que hiciera Naschy, la versión americana de la misma –titulada en dicho mercado Night of the werewolf- o en su defecto, la versión comercializada por TriPictures en nuestro país, aunque no sea tan fácil de encontrar como la versión para el mercado anglosajón.

Agradezco las facilidades dadas por la editorial Aleta y su responsable, Joseba Basalo, para la redacción de esta reseña

La fotografía que se incluye en esta reseña corresponde a la presentación del cómic durante el pasado festival de cine de Sitges y en ella se puede ver (Izda a derecha) a: Joseba Basalo, Paul Naschy, Santiago de Bernardo -responsable de los textos que acompañan al cómic- y Javier Trujillo

lunes, 22 de octubre de 2007

VIRGIN COMICS

7 BROTHERS, SNAKE WOMAN, DEVI y RAMAYAN 3392 AD
PANINI COMICS ESPAÑA


Sólo a un visionario como el creador del sello Virgin, Sir Richard Branson, se le podría ocurrir crear una línea de cómic de carácter netamente oriental.
Branson, ayudado por personalidades del mundo cultural hindú como Sharad Devarajan –fundador de Gotham Entertaiment, empresa que publicó la versión india del personaje Spider-man de Marvel Comics- ; el director de cine Shekhar Kapur –realizador de la aclamada Elizabeth y su continuación Elizabeth the golden age-; y Deepak Chopra –influyente médico, escritor y profundo conocedor de la cultura de su país- decidió comenzar una aventura editorial, bajo el sello Virgin Comics, a mediados del pasado año 2.006

Para que al nuevo sello no le faltara de nada, los creadores decidieron contar con el talento de autores ligados no sólo al noveno arte, sino también al séptimo. De ahí que parte de los creadores de las nuevas series respondan a los nombres de directores tan reconocidos como  John Woo, Guy Ritchie y el británico Terry Gilliam, actores como Nicholas Cage o los componentes de la banda musical británica Duran Duran.
En la actualidad, el sello publica una docena de títulos, algunos de los cuales han comenzado a ser publicados en nuestro país por la editorial Panini.

Las primeras colecciones escogidas han sido 7 Brothers, creada por el director John Woo; y Snake Woman, según la imaginación del también director Shekhar Kapur. En los últimos meses se ha sumado Devi, también creación de Kapur; y Ramayan 3392 AD, según una idea de Kapur y Deepak Chopra.

7 Brothers, con guión de Gary Ennis y dibujo de Jeevan Kang, nos cuenta la historia de un grupo de personajes relacionados entre sí por el sirviente de un arcano mago de la China milenaria. Todos ellos, dotados de poderes sobrenaturales, deberán trabajar juntos para defender al mundo del ataque de llamado “Hijo del diablo”.

Snake Woman: una serpiente entre la hierba, idea desarrollada por Zeb Wells y con dibujo de Michael Gaydos (Alias), recoge la tradición hindú de la hembra poseída por el espíritu de la diosa serpiente, en su afán por vengarse de una afrenta cometida siglos atrás.

Devi también profundiza en las tradiciones y la mitología de la India, en esta ocasión, en el enfrentamiento entre los dioses puros y una entidad guerrera reencarnada en una mujer –Devi-, contra la oscuridad simbolizada en el dios Bala.

Lo mismo ocurre con Ramayan 3392 AD, narración en la que se nos cuenta las peripecias de dos príncipes hermanos, los cuales deberán unir sus fuerzas para defender a quienes están bajo su protección de las hordas que amenazan con exterminarlos.

Cada una de las historias está impregnada de los mitos, las leyendas y el misticismo propios de lugares como la China de los grandes emperadores o la India, antes y después de la llegada de los británicos. Todo ello aporta un toque de distinción frente a las historias llegadas desde el mercado anglosajón o del mercado europeo, principalmente francófono.
El acierto ha sido el combinar el trabajo de autores consagrados, como los mencionados Ennis, Wells o Gaydos, con el talento de artistas propios de aquellas latitudes.

El resultado son unas historias tremendamente atractivas –tanto en el guión como en el apartado gráfico- capaces de seducir a quienes no suelen leer este tipo de propuestas.
Además, la cuidada edición de Panini, presentando cada colección en tomos recopilatorios en tapa dura y que recogen, además de las portadas originales, entrevistas con algunos de los responsables, son un añadido que completa el paquete.

En el futuro está previsto que nos lleguen títulos como Voodoo Child, según Weston Cage y Nicholas Cage; y Game Keeper, según la mente del director Guy Ritchie. Les hablaremos de estos títulos una vez estén en el mercado.

jueves, 18 de octubre de 2007

GEI

GEI# 1(Volumen 2): Voyeur
Guión: Xavier Morell
Dibujo: Víctor Santos
Portada: Mark Buckingham con color de d´israeli
Recerca Editorial


Como muy bien se comenta en la introducción, de esta nueva etapa de la serie, GEI es una de las colecciones con peor suerte de cuantas se recuerdan. Tras el primer número GEI: Debut, la serie se vendió en los Estados Unidos, aventura que se vio parada en seco por la quiebra, casi simultánea, de las dos editoriales que quisieron sacar la serie en el mercado americano.

Tras regresar, con las manos vacías, de la “aventura americana”, el segundo número de la colección, dibujado por Félix Ruiz fue presa de un virus informático, el cual arruinó buena parte del trabajo salvo unas pocas páginas.

Por tanto, no es de extrañar el parón que ha sufrido la serie -tres años- hasta que la editorial Recerca se decidiera a relanzar la colección con los dos números que estaban pendientes de su publicación, además de algunas de las portadas realizadas para la mencionada y fallida edición americana.

GEI: Voyeur nos trae de vuelta al grupo de investigación de fenómenos paranormales del estado español, una versión hispana de la sección capitaneada por el agente Fox Mulder en X-Files, y compuesto por cuatro miembros.

Su jefe es Luis, un veterano policía basado en el emblemático y recordado Teniente Martín Castillo de la serie de televisión “Corrupción en Miami,  tan esquivo y extraño como lo fuera el televisivo policía. Lo que pocos entienden es que hace un hombre como él,  dado el historial que tiene a sus espaldas, en grupo como este.

Su única relación, de peso, con GEI es que formó pareja con Carlos, otro de los miembros del grupo.
Carlos, un ex policía, también de la viaje escuela, abandonó el cuerpo tras perder uno de sus brazos en un accidente. Su regreso al servicio se debió a la llamada de su antiguo compañero, Luis, y a la implantación de un brazo biónico como sustituto al que perdió, aunque los resultados no lo asemejan con el no menos mítico “Hombre de los seis millones de dólares”.

Lunita es una chica albina, emparentada –según ella- con la misma luna y es capaz de contactar con los espíritus y con todo lo que está relacionado con la magia. Sus cualidades la emparentan con un personaje como Raven, de los Teen Titans, pero en versión española.

Fede es el cuarto integrante del grupo, un chico retraído y tímido, capaz de generar un escudo de energía a su alrededor. Tiene el estómago demasiado sensible para los métodos de unos sabuesos como Luis y Carlos pero trata de adaptarse.

Quien no aparece en este número, es Ana, la chica del agua y novia de Lunita. Tras aparecer en Gen: Debut, Ana y sus especiales características, formaban parte de la trama del desaparecido segundo número de GEI. De ahí que, tras dichos sucesos, el personaje no aparezca en lo que sería la tercera entrega de la serie.

En cuanto a la historia de GEI:Voyeur, escrita por Xaviel Morell y dibujada por Víctor Santos, gira alrededor de los extraños sucesos que rodean a una joven, llamada Bea, la cual tiene un molesto visitante paranormal –un poltergeist o algo parecido- especializados en robarle las bragitas. Si, ya sé que suena raro pero ante tales acontecimientos, y la llamada, un tanto desesperada de Bea, Luis decide enviar a Lunita y Fede a que investiguen las razones de tan extrañas desapariciones. La albina investigadora será quien, no sólo descubra quien se escnde tras las desapariciones sino la encargada de dar una solución a la entidad que se esconde detrás de las desapariciones.

GEI: Voyeur es un cómic entretenido, bien dibujado por Víctor Santos y con una ocurrente mezcla de elementos propios de nuestro país con otros directamente exportados de series como X-Files o Millenium, aunque sin llegar a los excesos de ambas series.

Ademas, resulta muy divertido ver cómo también en nuestro país suceden fenómenos extraños o de difícil explicación.

Santos demuestra su buen hacer con los negros y grises, tan del gusto del dibujante, aportando la atmósfera necesaria para la historia. Y Xavier Morell, intercala los diálogos y las situaciones propias del lugar en el que se desarrolla la trama con otros recogidos de la imaginería particular del género de los espíritus y fantasmas.

El siguiente en la lista de autores invitados es Tony Sandoval, el cual nos mostrará otra nueva historia “extraña y fuera de lo común” territorio abonado para los investigadores del grupo GEI.

lunes, 15 de octubre de 2007

ESPIDERMAN 3


Sorteando los rascacielos, con habilidad y suerte, haga sol, llueva o granice (si hace viento no sale de casa) se balancea nuestro héroe, defendiendo la ley, la justicia y los caramelos de cola.
Todo gracias a que le picó una araña muy simpática, que le dio unos poderes súper chulos… ¡Es Espiderman!


Y tras esta sublime presentación, ¿qué se puede decir del amigable vecino arácnido después de más de cuatro décadas que no se haya escrito, dicho o gritado a los cuatro vientos?

Pues, por increíbles que parezca, Enrique V. Vegas, es capaz de rizar el rizo –con doble tirabuzón, debo añadir- y nos trae a una araña mucho más caótica, desenfada y dispuesta a salvar a su ciudad del acoso de los villanos, aunque, para ello, deje alguna víctima “colateral” por el camino.
 
Y es que el Espiderman dibujado por Vegas, además de molón, es capaz de enfrentarse a los mayores peligros saliendo victorioso de ellos, algo que no pueden decir otros héroes como “Ojo de Águila” y “El avispa”. Bueno, un fallo lo tiene cualquiera, más si se es una “calamidad con patas”, como muy bien le dice el Capitán @.

Nada, nada, que la vida de los superhéroes es muy dura, y mucho más la de los becarios del periódico de J.J.J. o la de recién llegados como un aspirante a periodista llegado desde Kripton o la rana más dicharachera de… perdón, eso es de otra historia.

Para acabar de rematar la situación, un nuevo héroe, todo chulo él y vestido con un elegante traje negro amenaza con robarle el protagonismo al héroe. Ese Venenón me está tocando seriamente las narices. Soy el hazmerreír de los superhéroes… ¡Hay que tomar medidas drásticas! dirá decidido nuestro héroe.
Con todo decidido, sólo quedaba escoger el escenario del épico enfrentamiento… ¡Uy, qué rápido! Esta ciudad es muy pequeña para los dos… Vamos a solucionarlo como personas mayores. ¡Con una partida de damas!... ¡Sin piedad!

Sobra decir que Venenón es mejor jugador de damas que Espiderman y cuando la situación es insostenible, nuestro héroe debe aceptar que va a perder la partida.
Por suerte para él, todavía le quedan amigos como Don Dan Defensor, dispuestos a ayudar a un compañero de mallas, si la situación lo requiere.

Espiderman 3 es una nueva demostración de la capacidad de Enrique V. Vegas por “tomar prestado” un personaje emblemático y lograr presentarlo de una manera inaudita, pero tremendamente divertida y atractiva. Como en trabajos anteriores, su obra está llena de guiños al mundo del fandom y del fantástico, logrando que cada página sea una especie de “mapa del tesoro” o “dónde está el guiño” plagada de dichas referencias.

Y su Espiderman, pequeño, cabezón y resultón –mucho mejor que el presumido del Venenón- acaba por cautivarnos por su capacidad para “derrapar en las curvas”, pero salir siempre airoso de los compromisos más extremos. Por eso es el prota y el héroe, qué se creían.

Y tras Espiderman 3 llegan los seiscientos espartanos… ¿No eran trescientos? Da igual, cuantos más, mejor, más diversión.

Guión, dibujo y portada: Enrique V. Vegas
Color portada: Juan M. Vicente
Línea Siurell de la editorial Dolmen



© Enrique V. Vegas 2013

sábado, 29 de septiembre de 2007

DAREDEVIL & CAPITAN AMERICA:DOBLE MUERTE

Guión de Tito Faraci, según una idea original de Marco Marcello Lupoi
Dibujo de Claudio Villa
Color de Fabio D´Auria
Álbum en tapa dura y formato europeo de 48 páginas a color.
Panini Comics


Steve Rogers y Matt Murdock cruzaron sus caminos gráficos, por primera vez, hace ya casi cuatro décadas. En aquella ocasión, el Capitán América y Daredevil se encontraron en el DD# 43 (agosto 1.968) con guión de Stan Lee y el dibujo del “decano” Gene Colan.
In combat with Captain America, título de aquel memorable número –el cual contó con la portada de Jack Kirby y Joe Sinnott- nos mostraba el enfrentamiento entre dos de los personajes que mejor simbolizan la lucha por la verdad y la justicia dentro del universo de Marvel Comics.

Bien es cierto que Rogers es un soldado, con las motivaciones propias del estamento castrense y Murdock es un abogado que defiende la objetividad de una justicia que no siempre es tan ciega como debiera. Ambos representan lo que un día pudo ser el llamado “sueño americano” sepultado, en la actualidad, bajo las sucesivas administraciones conservadoras y una doble moral que ningún bien ha aportado a los ciudadanos de los Estados Unidos de América y, por ende, del resto del globo.

Tras aquel primer encuentro, motivado en cierta forma porque Gene Colan era también, en aquel momento, el dibujante de la serie regular del Capitán América, los dos personajes se han cruzado en muchas ocasiones, normalmente, en momento extremos en la vida de Matt Murdock, caso de la saga Born Again o durante la etapa en la que la identidad secreta del personaje estaba en boca de todos (DD# 65 volumen 2).

Ahora, de la mano de los renombrados autores italianos Tito Faraci y Claudio Villa nos llega Daredevil & Capitán América: Doble muerte.
En esta ocasión, los personajes deberán ir a la caza de captura de un siniestro personaje conocido por los aficionados más veteranos como Rondador de la muerte –aunque en esta versión se ha traducido como Segador de la muerte-.
Dicho personaje debutó en la colección del cuernecitos -nombre por el que también se conoce a Matt Murdock- en el DD# 113 (septiembre 1.974) compartiendo cartel con otro de los villanos recurrentes de la serie, el Gladiador. Sus creadores fueron el guionista Steve Gerber y el dibujante Bob Brown, responsable de darle el aspecto amenazador y esquivo al personaje.

Esta primera aparición duró hasta la entrega 115 y, durante esos números, pudimos saber que, además de un tremendo odio hacia Daredevil, el personaje contaba, entre su arsenal, con unos letales guantes capaces de acabar con cualquier adversario, por bien dispuesto que éste estuviera. Tras su aparente muerte, el Rondador de la muerte regresó a la colección en tres ocasiones más, hasta caer en manos del guionista Roger McKenzie, durante los números de la serie DD# 155-158.
McKenzie potenció la vena sociópata del personaje, en especial en las dos últimas entregas, dibujadas por Gene Colan y Frank Miller, respectivamente.

Puede que para la historia de los cómics, el DD# 158 sea considerado como uno de los más trascendentales dentro de la colección de Daredevil, no por lo que se contaba en él sino, porque supuso el debut de Frank Miller en una colección que luego no volvería a ser la misma cuando el dibujante y escritor se hiciera cargo de ella, de manera completa.

Aún así, el número contiene momentos memorables, en especial el enfrentamiento final entre Daredevil y un demente Rondador de la muerte, el cual es presa de su propia locura asesina. Además, en ese número, y según un desarrollo de Marv Wolfman –quien ya escribió el guión del DD# 128, en donde también apareció el villano- conocemos el origen del Rondador de la muerte. Éste es, en realidad, Philip Wallace Sterling, conocido como el Exterminador, y cuyo debut se produjo en el DD# 39 (junio de 1.968).
En aquella ocasión, el Exterminador, ayudado por los Ani-hombres –villanos disfrazados de animales- de enfrentarán a Daredevil, lucha que causará la muerte, entre otros del propio Exterminador y del hermano gemelo de Matt Murdock, Mike Murdock, en el DD# 41.

Está claro que el Exterminador no murió, sino que quedó atrapado en un plano de la realidad paralela a la nuestra. Allí, tras una larga espera, logró hacerse con una guantes creados por I.M.A –organización criminal que comenzó como rama científica de la organización terrorista Hydra, que debutó en Strange tales: Nick Fury agent of SHIELD# 146 (julio 1.966)- y gracias a ellos, abandonar la realidad en la que vivía para regresar a la que debía ser su auténtica realidad.
Suena a paradoja, pero la propia complejidad del villano le ayudó a conservar un halo de misterio que lo hizo popular entre los lectores de la colección de Daredevil.
Su defunción, atravesado por una lápida mortuoria, en el DD# 158, ponía punto y final a una carrera corta, pero intensa, sobre todo por el comentado carisma del personaje.

El recuerdo de Wallace Sterling regresó a la colección del cuernecitos de la mano del escritor de ciencia ficción Harlan Ellison y Arthur Byron Cover, en el DD# 208, The deadliest night of my life, con dibujo de David Mazzuchchelli y publicado en 1.984. En esa ocasión será la madre de Philip Wallace, Elisabeth Daves Sterling quien someta al cuernecitos a una “noche de pesadilla” atrapado en una casa victoriana plagada de trampas, similares a las que aparecían en la serie televisiva de The Avengers.

Ahora, Tito Faraci, guionista conocido por sus trabajos en el universo gráfico de Walt Disney, se une al dibujante Claudio Villa, responsable de los lápices en las colecciones de la línea Bonelli, en especial Tex, para traer de vuelta a Rondador de la muerte y enfrentarlo con Daredevil y el Capitán América.
 A Faraci se le atribuye, además, sus colaboraciones con el legendario dibujante Giorgo Cavazzano, además de por ser responsables de la primera novela gráfica europea dedicada a Spiderman –L´uomo ragno il segreto del vetro- publicada en el año 2.004.

Hay que comentar que el proyecto de la novela gráfica de Daredevil y el Capitán América parte de una idea original de Marco Marcello Lupoi, director editorial europeo de Panini Comics.

Todo comienza cuando, en la ciudad de Nueva York, están sucediendo una serie de extrañas muertes y desapariciones. Nadie sabe quién es el responsable, pero Daredevil busca respuestas y no está dispuesto a detenerse hasta que las obtenga.
Mientras tanto, Nick Furia interrumpe una sesión de entrenamiento de Steve Rogers, dado que un viejo enemigo ha regresado al tablero de juegos. Se trata del desaparecido Rondador de la muerte, el cual debería estar muerto, pero no lo está.

Además, la aparición del villano trae aparejado un problema mayor que se suma a sus instintos asesinos; de morir en nuestra realidad, todo el continuum temporal podría verse alterado, según palabras del coronel Furia. Es interesante comentar que esta versión del coronel a cargo de SHIELD guarda cierto parecido con el veterano actor Henry Fonda en sus últimas apariciones cinematográficas.

Con tal perspectiva, Rogers sale a la búsqueda del villano mientras el Rondador está reuniendo a sus nuevas víctimas en un cementerio, en clara referencia al ya comentado DD# 158.
En esos momentos, Matt Murdock, a instancias de la policía, acude a encontrarse con una mujer que ha sobrevivido al encuentro con el villano. Ésta le dice que el responsable de todo es el Rondador y que tiene a su hijo. Murdock no da crédito a lo que oye, pero sale de la comisaría dispuesto a encontrar al responsable de toda aquella pesadilla.

Daredevil termina encontrando a su presa en el mismo escenario en el que se vieron por última vez, comenzando un enfrentamiento que lo hará caer en la trampa que le tiene preparada el villano. El Rondador de la muerte rociará los ojos de Murdock con una sustancia, dándole la oportunidad de “ver” un mundo de pesadilla. La reacción del héroe será arremeter contra el villano, estando a punto de matarlo, de no ser por la intervención de Rogers.

Como es lógico, y en medio del delirio en el que se encuentra, Murdock enfocará, entonces, toda su rabia contra la figura del Capitán América, en claro homenaje a su primer encuentro, dado que, en aquella primera ocasión, Daredevil estaba contagiado por una sustancia radioactiva, la cual, también, le hizo perder la razón.

Por fortuna, Rogers es un veterano de mil y una contiendas y sabrá cómo solucionar el problema antes de que pase “a mayores”.
Al final, los dos héroes unirán sus esfuerzos para terminar con la amenaza que supone el regreso del villano y conservar la integridad de nuestra realidad.

Daredevil & Capitán América: Doble muerte es una obra que reúne buena parte de las características más definitorias de los personajes que dan nombre a la obra. Faraci demuestra sus conocimientos del universo Marvel, tratando de presentar a cada uno de los protagonistas de una manera clara, pero sin olvidar el bagaje de cada uno de ellos –en especial cuando se trata del Rondador de la muerte-.
Bien es cierto que, durante la narración se dan por supuestos algunos sucesos que, de no ser un buen conocedor de la colección de Daredevil, pudieran pasar desapercibidos para un lector más novel, como es el caso de la referencia a la mencionada madre del Wallace Sterling, por ejemplo. Sin embargo, no conocer estos detalles, tan del agrado del aficionado, no dificulta el placer de la lectura de esta novela gráfica.

Villa, por su parte, realiza un esmerado y espectacular trabajo, gracias al gran formato en el que está realizada la obra, tratando de ser fiel a la imagen que se tiene de los personajes, pero deteniéndose en detalles como los rostros de  cada uno de ellos, en especial, el del villano. Su Daredevil luce elegante y decidido, a la vez que la imagen que aporta de Steve Rogers se sitúa en una línea muy similar a la dibujada por John Cassaday o Brian Hitch.
Su versión del soldado es recia y ciertamente solemne, tal y como se corresponde con el símbolo viviente que es el personaje. Lo mejor es comprobar cómo el dibujante intercala páginas llenas de dinamismo y espectacularidad con otras donde lo importante son las motivaciones de cada uno de los personajes, algo que se logra con los primeros planos de los rostros de cada uno de ellos. En el caso del Rondador de la muerte, Villa busca humanizar al personaje frente a su marcado carácter grotesco, dando paso al hombre que se esconde tras la capa y el sombrero y sus letales guantes, los cuales actúan como una especie de uniforme.

A todo ello ayuda el color de Fabio D´Auria, el cual potencia los colores ocres y sepias para darle el mencionado halo de misterio que tan buenos resultados le ha dado a los responsables de sus historias gráficas.
D´Auria también realiza un muy buen trabajo cuando dota de color a Daredevil, potenciando el carmesí de su indumentaria, y al Capitán América, sobre todo en lo que se refiere a la diferenciación de los distintos detalles que adornan el traje del súper soldado y su emblemático escudo.

En cuanto a las pesadillas que sufre el cuernecitos a causa del veneno que esparce el Rondador de la muerte en su rostro, el colorista las trata con una paleta de colores muy similares a las utilizadas por Arthur Suydam y Sean Philips en Marvel Zombies, distorsionando las figuras y coloreándolas con colores primarios, muy llamativos.

Daredevil & Capitán América: Doble muerte es un ejercicio de estilo gráfico a la vez que una versión europea de dos personajes acostumbrados a otro tipo de formato. No sólo importa lo que se cuenta, sino cómo se cuenta, apartado que cuida especialmente el dibujante Claudio Villa.
Queda claro que ambos implicados, además del inductor de la idea, Marco Marcello Lupoi, tratan a los personajes con un tremendo respeto dada su larga trayectoria dentro del universo Marvel y su importancia dentro del mundo gráfico en general.
No es menos cierto que propuestas como éstas demuestran que hay nuevas maneras de presentar el mundo súper heroico de los grandes iconos de Marvel Comics o DC Comics, tal y como ya han presentado artistas como Kia Asamiya con sus versiones de los Uncanny X-Men o Batman.

Obra tremendamente atractiva de ver y de disfrutar, tanto para los aficionados a los dos personajes como para aquellos que los conozcan por primera vez.

domingo, 23 de septiembre de 2007

LA PELICULA 300 LLEGA AL MERCADO EN DVD

Cuando Frank Miller se sentó a dibujar la serie limitada de 300, en su cabeza todavía permanecían vivas las imágenes de la película The 300 spartans, dirigida por Rudolph Mate en 1961. Dicha producción impactó terriblemente a un joven Miller, el cual guardó aquella historia de épica y valentía en un rincón de su mente a la espera de poder dar su visión cuando tuviera la oportunidad.

La oportunidad le llegó, siendo ya un reconocido dibujante y guionista gráfico, a finales de los años noventa, para la editorial Dark Horse. Cierto es que Miller comenzó su labor de documentación años antes, queriendo ser lo más preciso posible sobre los sucesos acaecidos en la batalla de la Termópilas, pero sin perder el recuerdo de la épica que desprendía la película de Mate.

De ahí que, durante dicho periódico de estudio y recopilación de datos, algunos sucesos históricos quedaran eclipsados por otros elementos que resaltaban el carácter indómito de Leónidas y sus hombres.
Tras el éxito cosechado por la serie limitada, publicada entre los meses de mayo y septiembre de 1.998, y su posterior recopilación en formato apaisado -mucho más idónea para resaltar el trabajo casi pictórico de Miller y Lynn Varley- era sólo cuestión de tiempo y de la disponibilidad de medios técnicos que la obra de Miller se convirtiera en una película, regresando a las mismas pantallas en las que Miller disfrutara viendo The 300 Spartans.                                             
                                             
Al final y de la mano de Warner Bros Pictures, 300 se convirtió en una película de acción real, según un guión de Kurt Johnstand y Michael B. Gordon, quienes tomaron como punto de partida, la novela gráfica de Miller y Varley. Miller figura, también, como productor ejecutivo de la cinta, además de ser considerado por el propio director, Zack Snyder, un consultor de excepción para lograr que el espíritu de la obra gráfica no se desvirtuara lo más mínimo al llegar a la pantalla.

Tras una larga producción, tanto en el apartado del casting –cuyos integrantes debieron soportar un intenso y agotador periodo de entrenamiento- como en la parte técnica, queriendo reproducir con la mayor fidelidad posible no sólo las viñetas de Miller sino el cromatismo logrado por Lynn Varley en toda la obra, 300 fue presentada en el festival de cine de Berlín del presente año 2.007, para luego ser estrenada en todo el mundo a partir del mes de marzo.

Son muchos los calificativos que se le pueden adjudicar a una producción como 300, pero, sin duda, la de aventura épica y espectacular resume muy bien el espíritu que el director Zack Snyder logró teñir a toda la narración.

Aún así, y como muy bien comenta el Doctor Víctor Davis Hanson en la introducción del libro 300 El libro de la película (publicado en España por Norma Editorial)

Los más puristas deben recordar que 300 busca llevar un cómic a la pantalla, no a Herodoto. Así a pesar de la necesidad de seguir las convenciones de la trama y los dibujos de Frank Miller –cada fragmento es tan oficial como los protocolos del teatro clásico ateniense o el Kabuki japonés-, la historia principal del nuestros historiadores clásicos griegos sigue allí.

Si los críticos creen que 300 reduce y simplifica el sentido de las Termópilas a “libertad contra tiranía” tendrían que releer atentamente las versiones antiguas y entonces culpar a Herodoto, Plutarco y Diodoro, quien hace mucho tiempo se jactaba de que la libertad griega estaba enfrentada a la autocracia persa; hombres libres de un rango superior muriendo por su libertad contra enemigos esclavizados a quienes azotaban para que esclavizaran a más gente.

No entraré en estériles valoraciones, surgidas tras el estreno de la película, las cuales trataban de buscar un enfrentamiento entre culturas que en ningún momento estaba presente en la mente de Miller cuando dibujó su obra. Para el autor gráfico, al igual que para el resto del equipo responsable de la película, su interés era resaltar la valentía y el sacrificio de un grupo de hombres que se posicionaron frente a un enemigo muy superior, queriendo defender su modo de vida y aquello en lo que creían
                                             
Quien mejor ha descrito la realidad que se esconde tras la gesta de Leónidas y sus hombres, saltando por encima de quienes sólo creen en crear conflictos artificiales, ha sido el escritor, periodista y académico Arturo Pérez Reverte en su blog particular, coincidiendo con el estreno de la película en los cines

A ver si lo resumo bien: eran de los nuestros. Y claro que eran héroes. Da igual que los historiadores magnificaran sus hazañas, o que los enemigos fuesen de una u otra manera. Lo indiscutible es que, con su sacrificio, salvaron una idea de sociedad y del mundo, opuesta a cualquier poder ajeno a la solidaridad o la razón. Al morir de pie, espada en mano, hicieron posible que, aún después de incendiada Atenas, en Salamina, Platea y Micala sobreviviera Grecia, sus instituciones, sus filósofos, sus ideas y la palabra democracia.

Con el tiempo, Leónidas y los suyos hicieron posible Europa, la Enciclopedia, la Revolución Francesa, los parlamentos occidentales, que mi hija salga a la calle sin velo y sin que le amputen el clítoris, que yo pueda escribir sin que me encarcelen o quemen, que ningún rey, sátrapa, tirano, imán dictador, obispo o papa decida –al menos en teoría, que ya es algo- qué debo hacer con mi pensamiento y con mi vida.

Por eso opino que, en ese aspecto, aquellos trescientos hombres nos hicieron libres. Eran de los nuestros.

Al final, la película se ha convertido en uno de los grandes sucesos mediáticos del presente año, demostrando la validez tanto de la novela gráfica de Miller y Varley como el trabajo del director Zack Snyder y del resto del equipo que logró reproducir, en la gran pantalla, la epopeya de aquellos trescientos espartanos que lucharon para otorgarnos un mundo mucho más igualitario y libre de cierto grado de tiranía.

No es de extrañar que Warner Bros haya decidido presentar la versión en DVD de una película tan celebrada como lo es 300 en una amplia variedad de opciones, pensadas para satisfacer al público más exigente.

En total, la versión en DVD se ofrece en cuatro versiones distintas, más una quinta que sólo se puede encontrar en los establecimientos de la cadena Fnac que se están distribuidos a lo largo de la geografía española –y en su versión digital-.

Los extras que acompañan a la versión en DVD de la película se podrían dividir en los siguientes dos grupos: aquellos relacionados con la producción y el rodaje de la película en si misma, y aquellos que tienen que ver con las fuentes históricas de la batalla de las Termópilas, la figura del rey Leónidas y sus trescientos soldados. En este apartado se podría incluir el trabajo de Frank Miller, antes y durante el proceso de gestación de una obra gráfica como 300.

Los extras relacionados con la preproducción de la película, así como el complejo rodaje de toda la acción en estudios, incluyen los clásicos “making-off” con intervenciones de todos los implicados, pero, además, se detallan aspectos de cada uno de los apartados de una producción como ésta, aportando muchos detalles interesantes que, normalmente, no suelen añadirse en este tipo de propuestas.

Los documentales Los 300 espartanos,  ¿Realidad o ficción? Y ¿Quiénes eran los espartanos?, lejos del academicismo que suele rodear este tipo de programas, discurren de una manera muy amena, dando datos claros y precisos sobre la realidad histórica que se cuenta en la novela gráfica y en la película. Las personas que aparecen en dichos programas se apoyan en las imágenes de la película para añadir los distintos elementos que conformaron la epopeya de Leónidas y sus hombres.

Aparte de todo, se ofrece la posibilidad de contar con un audio-comentario del director Zack Snyder, el guionista Kurt Johnstad y el director de fotografía Alarru Fong, y con varias secuencias eliminadas del metraje final, las cuales cuentan con un comentario previo del director.

Además de lo ya comentado, se ha creado un juego con motivo del lanzamiento del DVD de 300, el cual se puede consultar en la siguiente dirección: http://66.77.127.8/300/es/spartagame/spartangame.php?action
Con 300 la épica cinematográfica, tan de moda en los años cincuenta y sesenta, ha regresado a las pantallas después de que la novela gráfica revolucionara el mercado gráfico mundial tanto en su país original como en España.

Ahora, gracias a Warner Bros Entertainment Inc, se nos ofrece la posibilidad de disfrutar con una película como 300 llena de momentos inolvidables, tal cual los dibujara Frank Miller hace ya una década.

300
Warner Bros Pictures 2.006
Director: Zack Snyder
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon
Basada en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley, publicada por Dark Horse Comics
Reparto: Gerard Butler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West y Rodrigo Santoro.
 
Website: www.300-es.com
Trailer: http://wwws.warnerbros.es/300/videoPlay.html?id=trailer2
Contenidos de los extras en las distintas presentaciones del DVD de 300:

300, versión de un 1 disco
COMENTARIO DEL DIRECTOR ZACK SNYDER, EL GUIONISTA KURT JOHNSTAD Y EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍ ALARRU FONG
Audio: Castellano, Inglés (5.1 Dolby Digital)
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300, versión Especial de dos 2 discos
COMENTARIO DEL DIRECTOR ZACK SNYDER, EL GUIONISTA KURT JOHNSTAD Y EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍ ALARRU FONG
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300 con Estuche Metálico
ESCENAS ADICIONALES e imágenes nunca vistas de los guerreros gigantes
FRANK MILLER: su visión de la historia llevada a cabo en la película
LOS 300 ESPARTANOS ¿REALIDAD O FICCIÓN?: La sorprendente historia de los espartanos
¿QUIÉNES ERAN LOS ESPARTANOS?: Descubre cómo los actores construyeron sus personajes basándose en las costumbres de los espartanos.
VIDEO VIÑETAS: visita al rodaje con el reparto artístico y técnico.
COMENTARIO del Director Zack Snyder, el guionista Kurt Johnstad y el Director de Fotografía Larry Fong
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300 con Estuche Metálico y libro “El arte de la película 300” (sólo con esta versión)ESCENAS ADICIONALES e imágenes nunca vistas de los guerreros gigantes
FRANK MILLER: su visión de la historia llevada a cabo en la película
LOS 300 ESPARTANOS ¿REALIDAD O FICCIÓN?: La sorprendente historia de los espartanos
¿QUIÉNES ERAN LOS ESPARTANOS?: Descubre cómo los actores construyeron sus personajes basándose en las costumbres de los espartanos.
VIDEO VIÑETAS: visita al rodaje con el reparto artístico y técnico.
COMENTARIO del Director Zack Snyder, el guionista Kurt Johnstad y el Director de Fotografía Larry Fong
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Derechos de las imágenes de la novela gráfica 300:
300 is copyright © 1.998 Frank Miller, inc. 300 and 300 logo are trademarks of Frank Miller, and © 1.998 Dark Horse Comics, Inc. All rights reserved.
Derechos del cartel de la película 300: © 2007 Warner Bros. Pictures. All rights reserved
Derechos de las imágenes de las distintas presentaciones del DVD de la película 300: © 2.007 Warner Bros Entertaiment, Inc. All rights reserved

martes, 11 de septiembre de 2007

EL INFORME DEL 11-S

Una novela gráfica de Sid Jacobson y Ernie Colón
Tomo de 128 páginas en tapa dura con sobrecubierta.
Panini Comics


Se cumplen seis años del brutal atentando perpetrado sobre las Torres Gemelas de la ciudad de Nueva York y el Pentágono, y el mundo no es un lugar mejor. Los intentos de la actual administración norteamericana –apoyada por diversos países del globo- en su lucha contra la amenaza terrorista se han topado con bastantes más fracasos que victorias, algo que se ejemplifica muy bien en la actual contienda de Iraq.

Seis años después, los principales responsables del ataque al corazón del poder económico norteamericano –el WTC neoyorquino- y el emblemático edificio del Pentágono –símbolo del poder militar- continúan en libertad y amenazando la estabilidad de nuestra sociedad.

Además, cada son más la voces que se alzan en contra de las actitudes tomadas después del atentado, tanto en relación a las contiendas desatadas tras el ataque -en especial la que se libra en Iraq- como contra el maltrato que sufren los supuestos integrantes de Al Qaeda y otros grupos terroristas, y cuyo mayor ejemplo es el recinto habilitado en la base cubana de Guantánamo.

Para añadir más leña al fuego, el trabajo de los expertos encargados por la administración americana para evaluar el comportamiento de las autoridades, antes y después del11/S, tampoco dejan en muy buen lugar a los últimos gabinetes presidenciales en su lucha contra la amenaza terrorista.
                  
Éste es el caso del informe elaborado por una comisión presidida por Thomas H. Kean y Lee H Hamilton sobre las causas, razones y derivaciones posteriores de un atentado como el del 11 de septiembre del año 2.001. 

Dicho informe, presentado a la opinión pública en 22 de julio del 2.004, ha sido posteriormente adaptado como una novela gráfica, algo realmente novedoso, dado el contenido del mismo.

Lo primero que es relevante, en un momento en el que muchos medios de comunicación norteamericanos continúan sometidos a una “velada censura” sobre los acontecimientos que se desarrollan en la contienda de Iraq, es el su propósito inicial.

El objetivo de la comisión nacional de investigación era narrar los acontecimientos acaecidos el 11-S de una forma accesible e inteligible. Albergábamos la firme convicción de que uno de los sucesos más relevantes y trágicos de la historia debía hallarse al alcance de todos.

Nos complace afirmar que los responsables de esta adaptación logran transmitir buena parte de la información contenida en el citado informe.
Los autores han logrado respetar la fidelidad de las conclusiones, así como el espíritu y el tono general del informe.

                 
La novela gráfica de Jacobsen y Colón está dividida en trece capítulos en donde se realiza un recorrido por los sucesos de aquel día, sus causas y sus consecuencias. Hay que admitir que el lenguaje utilizado puede ser, en algunas ocasiones, un tanto completo, dada la cantidad de datos, siglas, organismos y personajes que se nombran.

Está claro que no nos encontramos ante una novela gráfica común -protagonizada por superhéroes o narrando una historia cotidiana- sino ante una adaptación gráfica de un minucioso informe sobre un suceso como el del 11/S. Aún así considero que el tono general de la obra es asequible para todo aquel que quiera entender, una manera razonada las causas del atentado contra las torres gemelas.

Como ya he dicho, son muchos los datos aportados por la comisión, la cual ha estado sujeta a muchas críticas –sobre todo por los responsables de la administración- pero algunos sobresalen más que otros.
Queda claro que los sistemas de defensa no funcionaron como se esperaba, ni las líneas de comunicación.
La mayoría de los responsables políticos se enteraron del ataque por la CNN y algunos de ellos permanecieron ajenos a la toma de decisiones hasta horas después del ataque.

Las líneas aéreas y organismos como la FAA (Administración Federal de Aviación) y el NORAD (Centro de Defensa Aeroespacial norteamericano) tampoco supieron tratar la situación. Repetidos errores en la toma de decisiones y una acusada lentitud les hizo reaccionar tarde y mal.

Todo esto está perfectamente narrado, gráficamente, por los autores en las primeras páginas de la obra. Son dignos de destacar los dos desplegables, de seis y cuatro páginas y por ambas caras, donde se detalla el recorrido de cada uno de los cuatro aviones implicados –con algunos de los sucesos que se desarrollaron en su interior- así como la toma de decisiones ante la situación que se estaba viviendo.

Estas páginas son duras por el conocimiento que se tiene, por la mayoría del público, de lo que ocurrió aquella mañana del once de septiembre, pero no por ello menos válidas al ejercer de narradoras del acontecimiento.
 
La figura de Bin Laden y la organización Al Qaeda ocupan buena parte del informe, aunque los responsables han tratado de no caer en los maniqueísmos de los últimos años y tratar de explicar las razones de su manera de actuar.
Además, se hace especial hincapié en el comportamiento de las administraciones americanas –desde la capitaneada por Ronald Reagan hasta la actual- frente a una amenaza como Bin Laden y su organización.

Las conclusiones son claras: el poder legislativo apenas se esforzó en elaborar una política integrada sobre el terrorismo  (página 27 de la novela)

A todo ello hay que añadir la rivalidad existente entre las distintas agencias de seguridad, las cuales no sólo no compartían la información sino que dificultaban el trabajo de sus “supuestos compañeros” en las labores de mantener la seguridad de su país.

Atentados como los sufridos por las embajadas americanas en Nairobi (Kenia) y Dar Es Salaam (Tanzania) y el ataque contra el USS Cole fueron piedras de toque que alertaron al entonces presidente Clinton del peligro de la amenaza terrorista, sobre todo las perpetradas por la organización de Bin Laden.
Del anterior presidente partió la iniciativa de nombrar a Richard Clarke responsable de un organismo federal planteado para interactuar entre las distintas agencias encargadas de la seguridad. Dicho organismo se denominó Grupo de Seguridad y Antiterrorista (CGS)

El informe deja claro los intentos de Clarke y su grupo por atrapar a Bin Laden y como cada uno de los intentos se saldó con un fracaso.

Esto ocurrió, en parte, por la ayuda exterior facilitada por personas relacionadas con los países en los que ha residido el líder de Al Qaeda y, en parte, porque la administración Clinton era bastante menos amiga de asumir el coste en vidas –tanto civiles como militares- de una operación militar sin garantías de éxito, algo que no ocurre con el actual gabinete presidencial.

Otra parte importante del informe recoge la preparación de los pilotos suicidas que pilotaron los aviones el 11/S y las extremas facilidades de muchos de ellos para lograr sus títulos de pilotos en los Estados Unidos. Más grave resulta ver cómo ante los indicios de un posible atentado, el cual pudiera implicar aviones de pasajeros, la administración se mostró lenta de reflejos.

Ante lo vago de las amenazas, ninguna de las agencias de ámbito nacional se movilizó para tomar algún tipo de resolución o alertar a la población ante el peligro que pudieran correr. (página 63)

Para terminar me detendré en el capítulo noveno, titulado Heroísmo y Horror. En él, los autores del informe recogen la actuación de las fuerzas del orden durante la mañana del 11 de septiembre del 2.001. El recorrido comienza con el atentado del año 1.993 en el aparcamiento del WTC y las enseñanzas que se sacaron en claro de aquel día.

Los autores dejan claro que fueron muchas las mejoras que se efectuaron en los servicios de emergencias de la ciudad de Nueva York –en buena parte por los esfuerzos del alcalde Rudolph Giuliani-, aunque en ninguna de ellas estaba contemplado un ataque como el sufrieron las Torres Gemelas.

Como ya se comentara, anteriormente, los fallos en las líneas de comunicación y las contradicciones en las órdenes emitidas ante los sucesos que se estaban sucediendo en el exterior no ayudaron a la resolución de muchos de los problemas.
                   
De todas formas, el informe y los responsables de la adaptación gráfica ponen especial cuidado en resaltar la entrega y la velocidad con la que los bomberos, personal sanitario y los miembros del cuerpo de policía y la Autoridad Portuaria de la ciudad de Nueva York respondieron a los avisos emitidos.

El Departamento de bomberos (FDNY) reaccionó a los cinco segundos del primer impacto en la Torre Norte de WTC. Diez minutos después del impacto había enviado 235 bomberos, la dotación de 21 vehículos autobomba, 9 compañías de escaladores, 4 unidades de élite, la unidad de materiales peligrosos y las 9 unidades de Brooklyn. Las primeras unidades llegaron a los seis minutos del impacto del vuelo número 11 de AA.

El jefe de policía de Nueva York ordenó la movilización del nivel 4 a las 8:56, diez minutos después del impacto, lo cual suponía el envío a la escena del atentado a 22 tenientes, 100 sargentos y 800 agentes de policía. 

Tras el impacto del segundo avión se efectuó una segunda movilización de nivel 4 lo que supuso una movilización de 2.000 agentes.


A pesar de la situación y de lo que suponía tratar de subir las escaleras que llevaban hasta los pisos superiores de ambas torres, los bomberos, personal sanitario y miembros del cuerpo de policía asumieron su responsabilidad y comenzaron a evacuar a los supervivientes, recorriendo cada una de las plantas de los enormes colosos de cristal.

Las unidades de emergencia llegaron hasta la planta 31 de la torre norte pocos minutos antes de que ésta se desmoronara, matando a todos los civiles y al personal de emergencias que se encontraba en el interior, así como a cierto número de personas que estaban en las calles adyacentes.

Por lo tanto, no es de extrañar que, de las 2.973 víctimas de aquel día, 404 correspondan a efectivos del cuerpo de bomberos y personal sanitario del dicho cuerpo, policías del Departamento de policía de la ciudad de Nueva York y policías de la Autoridad Portuaria de dicha ciudad.

El informe termina con una serie de recomendaciones sobre qué hacer para evitar este tipo de situaciones, sobre el papel del llamado “primer mundo” el cual atesora los recursos económicos y financieros del planeta y las soluciones que se deberían tomar.

Está claro que estos últimos capítulos son los que más críticas han generado al cuestionar la política expansionista y ciertamente revanchista de la actual administración norteamericana, poco dispuesta a invertir en el futuro de los países que son caldo de cultivo para los extremistas de Al Qaeda y otras organizaciones terroristas.

Quizás ese apartado sea menos aplicable a los países del viejo continente –al llevar políticas distintas-, pero está claro que hay muchas soluciones que deberían ser planteadas a nivel global.
De todas maneras, el informe transmite una máxima, la cual debiera ser tomada en consideración por cualquier gobierno que no quiera caer en los excesos que tan malos resultados están dando y que sólo sirven de pretexto para justificar atentados como el del 11/S o el del 11 de marzo del 2.004 en la ciudad de Madrid, aunque muchos se empeñen en buscar una “teoría de la conspiración” que sólo existió en sus mentes.                                       

La protección y la seguridad requieren una opinión pública bien informada para poder exigir responsabilidades a los dirigentes electos. Nos corresponde a todos y cada uno de nosotros insistir en que sea así. Tal y como manifestamos al final del prólogo del informe original de la Comisión Nacional de Investigación, exhortamos a nuestros conciudadanos a analizar, reflexionar y actuar.

Coincido plenamente con Stan Lee en que una novela gráfica como la de Jacobson y Colón debería ser de lectura obligatoria en hogares, colegios y bibliotecas, en especial por hacer accesible un tema tan farragoso como éste para el gran público.

Por ello hay que aplaudir la iniciativa de la editorial Panini al publicar dicho informe en el mercado nacional , al igual que por plantear en su página web  
http://www.paninionline.com/collectibles/institutional/es/es/takeSurvey.asp?surveyID=112 la idoneidad de publicar una iniciativa similar que recoja las conclusiones de la Comisión que investigó el atentado del 11 de marzo del 2.004 en nuestro país.

Los derechos de las fotografías del 11-S son propiedad de las agencias AP y Reuters.La ilustración con la que se cierra el artículo pertenece al número especial "Heroes" publicado por Marvel Comics en el año 2.001 y sus autores son Joe Quesada y Todd McFarlane.
Agradezco a Paninin España, el material facilitado para la redacción de esta reseña.

miércoles, 5 de septiembre de 2007

TWILIGHT

Guión de Howard Chaykin
Dibujo de José Luis García López
Tinta de Steve Oliff
Editorial: Planeta DeAgostini


Si de algo puede presumir la editorial DC Comics es de poseer uno de los panteones de personajes gráficos más completos. La razón se debe, no sólo a las décadas que dicha editorial lleva en el mercado, sino a las absorciones llevadas, a lo largo de los años, de otras editoriales, cuyos fondos han pasado a formar parte de la “Distinguida Competencia”.

Por tanto, no es extraño que, de tanto en tanto, reaparezcan en las estanterías de las librerías colecciones protagonizadas por personajes creados muchas décadas atrás.

Y éste es, precisamente, el caso de la mini serie Twilight, un encargo de la editorial DC al dibujante y guionista Howard Chaykin para que devolviera  a la palestra a un grupo de héroes que permanecían en el olvido.

La lista de personajes que DC quería volver a relanzar estaba encabezada por el policía espacial Tommy Tomorrow que apareció, por primera vez, en 1.947. En esos momentos, Tomorrow era un personaje destinado a la gloria planetaria como miembro del cuerpo de los Planeteer, pero sin la megalomanía que le añadirá Chaykin después.

Otro de los personajes embarcados en este “regreso a los orígenes” fue el detective Axel Starker –más conocido como Star Hawkins-. Starker debutó en la serie Strange Adventures# 114, publicada en marzo de 1.960. El detective, amante del dinero –sobre todo, gastarlo- y acompañado de su fiel ayudante robótica, Ilda, será un personaje determinante en el Centro de la Ciencia Nacional del gobierno de los EEUU en el año 2.092 y terminará por fundar la primera academia para robot detectives.

Starker, en este caso John, más conocido como Manhunter 2.070, se convertirá en la historia de Chaykin en el hermano mayor de Axel Starker.
 
El periodista y escritor Homer Glint; la modelo transmutada en periodista, Karel Sorensen; y el aventurero y “plaboy” Rick Purvis, todos protagonistas de la serie The Star Rovers –publicada en los años sesenta- también formarán parte del reparto con el que contará Chaykin para la historia que se narra en los tres números de los que está compuesta Twilight.

Todos estos personajes tenían en común, además de su antigüedad editorial, el formar parte de colecciones del género de la Ciencia Ficción, espacio ideal para las aventuras más desenfrenadas con algún que otro toque metafísico tan del gusto de la literatura de género.

Otra cosa muy distinta fue el giro que Chaykin, magníficamente secundado por los dibujos del español José Luis García López, le acabó dando a todos y cada uno de los mencionados personajes.

Tommy Tomorrow era un lameculos, un pequeño ario adulador que vendió a la mujer que amaba por la gran gloria de la atención mediática. Mientras buscaba su propia gloria no dudó en exterminar a buena parte de sus hombres, entre ellos a su mujer embarazada, y destruyó los restos de una especie que ya era antigua cuando el hombre se pintaba el culo de azul y aullaba a la luna. Sin embargo, Homer Glint lo convirtió en un héroe de las noticias en Interenlace… Y así se quedó.

Con estas frases de John Starker a su hermano Axel queda claro cuáles son los derroteros que sigue la mini serie escrita por Chaykin, hace ya quince años. Constantes como el ansia de poder y el afán destructivos de los seres humanos –perfectamente simbolizados en los megalomaníacos y narcisistas Tomorrow y Purvis- mezcladas con la erótica que rodea cualquier acción de los protagonistas, ya sea ésta virtual o real, serán los auténticos motores de esta radical y provocadora narración.

Chaykin no se corta lo más mínimo en plasmar en unos personajes desconocidos como éstos todos los males de un mundo, el nuestro, que no duda en arrasar especies animales o vegetales en pos de un progreso tan voraz como la locura de buena parte de los personajes que ilustra García López en cada una de las páginas de la historia.
 
La demencia de Tomorrow, un fanático en el más amplio sentido de la palabra empeñado en encontrar un remedio para vivir eternamente cual dios bíblico, o la tergiversación de la realidad orquestada por Purvis en beneficio propio son sólo algunas de las flechas envenenadas que suelta el guionista contra las mentes bien pensantes –las mismas que se enriquecen con las guerras y el dolor humano, pero que no faltan a los oficios religiosos cada fin de semana-.

Twilight es una obra compleja de leer por la cantidad de dobles lecturas que tienen sus personajes, pero resulta tremendamente atractiva de ver, gráficamente hablando, merced al sobresaliente trabajo de José Luis García López.

En sus páginas, los detalles más nimios nos asaltan sin parar, ayudando al lector a situarse en la espiral de locura y sin sentido en la que están sumidos los personajes.

Lo mejor de todo es comprobar cómo el trabajo de ambos autores ha permanecido igual de fresco y candente que cuando la obra llegó a las librerías, lo que demuestra el acierto de la editorial al llamar a un artista como Chaykin, aunque no sé si el resultado final gustó a todos por igual. 
Ahora les toca juzgar a ustedes.

jueves, 30 de agosto de 2007

GUN CRISIS

Guión, dibujo y tinta: Kanzaki Masaomi
Tomo en blanco y negro de 214 páginas
Banzai Comics


Konosuke Inagaki es un buen policía, aunque con un pequeño defecto: no duda en vaciar el cargador de su arma ante el más mínimo problema. Ello le ha acarreado muchas recriminaciones y el quedarse sin trabajo.
Sin embargo, al juntar su camino con el veterano Koshiro Hashimoto, Inagaki deberá recurrir a todo su talento, si quiere salir vivo de la misión.

Tráfico de armas, drogas de diseño, asesinos psicópatas y Yakuzas renegados conforman la primera parte GUN CRISIS, apasionante manga publicado por BANZAI COMICS.

La acción bebe de películas como The Killer y Hard Boiled, ambas de John Woo, o la saga Arma Letal. También se pueden ver elementos de otras historias gráficas, como Santuario, de Syo Fumimura y Ryochi Ikegami. Donde Gun Crisis se aleja de otras propuestas es en la crudeza con la que muestra los efectos de la adicción a las drogas y todo el submundo que se mueve alrededor de ellas.

En su segunda parte del tomo, subtitulada Terrorista, conoceremos las peripecias del grupo de operaciones especiales Katsuki. Dicho escuadrón está formado por hombres y mujeres entrenados para hacer frente a los más arriesgados encargos, muchos de los cuales, bordean la ilegalidad.
Asistiremos a tres historias del grupo.

En la primera seremos testigos de una típica misión del escuadrón, efectuada con la contundencia que de ellos se espera. En los dos siguientes, Guerra del Golfo y El halcón azabache, el escuadrón Katsuki se verá envuelto en una trama que mezclará los sucios manejos de los gobiernos –y los grandes grupos económicos- con las intrigas de los servicios secretos. El resultado obligará a sus integrantes a sortear todo tipo de trampas y a desconfiar de cualquiera que se cruce en su camino.

Sólo queda tiempo para ponerse a salvo, sin importar los medios y quien se quede por detrás.

GUN CRISIS es un manga dinámico  donde la acción es predominante. No obstante, sus diálogos están llenos de referencias a muchos de los acontecimientos que, hoy en día, llenan los titulares de los medios de comunicación.  De ahí su doble valor y el acierto de su publicación en nuestro país.

lunes, 20 de agosto de 2007

30 DIAS DE NOCHE: Regreso a Barrow

Steve Niles y Ben Templesmith
Devir Iberia, S. L.


¿Se acuerdan de un remoto pueblo llamado Barrow, situado en lo más profundo del estado de Alaska?¿Un lugar donde la noche y el día se miden por meses, no por horas, y donde los no-muertos encontraron el paraíso perfecto hace sólo unos años?

Pues, tras las dos primeras entregas de esta inquietante saga, nos llega ahora Retorno a Barrow, continuación de las pesadillas que cada invierno se viven en aquel remoto lugar.
Esta vez asistimos al regreso de Brian Kitka, hermano de William Kitka, el cual murió durante el primero de los ataques vampíricos.

Kitka regresa a Barrow, su pueblo natal, como sheriff buscando respuestas que expliquen el comportamiento de su hermano en sus últimos momentos.
Los lugareños supervivientes ven al recién llegado como un ave de paso que se marchará nada más descubrir el oscuro secreto que atenaza la memoria del lugar. Sin embargo, entre los vampiros los cosas tampoco marchan bien.

Son muchos los que temen por la salvaguarda de su secreto tras el libro escrito por la mujer de Eben, el sheriff de Barrow cuando el comentado primer ataque y que, tras perder a su marido emprendió una campaña para desenmascarar a los chupa sangre, allá donde se encontraran.
Tal y como están las cosas, lo mejor es volver al punto de partida y terminar con lo que se dejó a medias, piensan los líderes de los vampiros.

La única solución es volver a Barrow para zanjar los cabos sueltos, sin importar los que suceda después.
Mientras tanto, Kitka descubrirá tarde el secreto que su hermano se llevó a la tumba, lo cual le obligará a luchar junto con el resto de habitantes del pueblo contra la invasión de los no-muertos.

¿Conseguirán los humanos, por segunda vez, repeler el ataque de los hijos de la noche?

Éstas y otras respuestas se encuentran en esta entrega, escrita con el mismo puso firme por Steve Niles y dibujada por Ben Templesmith con esa  inquietante mezcla de blanco y gris, salpicados por manchones de color que recuerdan a las manchas de sangre dejadas por los vampiros.

Un trabajo sobresaliente por ambas partes, que tendrá su adaptación cinematográfica de la mano del director y productor Sam Raimi.